採訪：跟著奈迪克大師學習，是怎樣的內容呢？
Ｅ：我想，或許美國不像歐洲那樣，有很多「這是直接從作曲家本人那裡聽來的」之類、代代相傳的傳承；因此，老師在理解作品時，會親自非常徹底地查閱作曲家的手稿與相關資料，並分析樂譜。老師曾經學過文化人類學，所以我一直都能從他身上感受到一種永不滿足的探索精神，就是彷彿「有不知道的事情就是無法忍受」的態度。總之，我認為老師是透過徹底研究作曲家與樂譜，來理解每一首作品（參照：奈迪克談史特拉汶斯基《三首單簧管小品》）。他會針對每一位作曲家研究其手稿，發現修改過的痕跡之後，甚至進一步思考「為什麼要修改」，然後把這些全部教給學生。因此，最後對學生的要求自然也變得非常高。
老師很常對我說的一句話就是 「make sense」，也就是「要合乎道理」、「要講得通」。例如和聲是怎麼進行的、伴奏型態是怎麼變化的、其他樂器在第一次和第二次出現時演奏了不同的內容．．．．等等，把所有這些可以從樂譜讀到的資訊都掌握清楚之後，再以這些東西作為依據來演奏，才叫做「make sense」。其實光是要學會上述這些態度就已經非常困難，我自然沒法馬上做到，但老師的課還有更多的東西在等著我。老師認為真正理解作品、讓演奏「make sense」之後，還需要進一步加入演奏者自身的自由表現。
老師應常說，一旦掌握了「make sense」的感覺後，之後無論是再怎麼自由的表現，都不會偏離正軌。我想老師是認為唯有同時具備「讓演奏 make sense」以及「在此基礎上加入演奏者自身的表現」這兩個概念後，演奏者的演出才有真正的意義吧。
採訪：這可是密度相當高的課程呢。應該很辛苦吧？
Ｅ：很嚴格。真的非常嚴格。
剛開始的時候，我每次都會事先預約，去老師家上課。有一次，我心想：「上一次老師要求我的事情，我根本就還沒完全達到」，因此就不敢聯絡老師上下一次的課。 於是師母大島文子老師等得不耐煩了，便直接打電話給我。她說：「這樣的電話我只會打一次，想要問的是你是不是以為非得把所有的東西都練好之後，才能再請老師上課？」
接著她很明確地告訴我：「那種想法是不行的。『全部都已經練好』的日子是不會來的！」
我想了之後的確是像師母說的一樣。於是雖然心裡還是想著「老師，其實我還沒練好．．．」，但也還是開照常預約去上課了。
關於演奏技法上也是一樣，老師會不厭其煩地說名同樣的道理。老師往往會說：「這對你來說已經不是什麼新資訊了」，但在被說了不知道多少次之後，我也只能回答：「我知道、我知道．．．」，到後來甚至會忍不住笑出來。接下來就是「我都這麼認真教你了，你怎麼還笑得出來？」、「我也很認真啊，但就是練不出來啊」的你一句我一句來回應答了。
而且老師自己學習與進步的速度實在太快了，所以學生無論怎麼努力，差距都只會越拉越大。
不管怎麼說，這三年的留學生活對我來說真是非常充實，但即便我還有一大堆想學的東西，最後還是得懷著斷腸般不捨的心情回到了日本。
比賽與音色
採訪：您是如何看待音樂比賽的呢？
Ｅ：關於比賽，我想自己可能真的有和別人完全不一樣的感覺。
當然在大學時代左右，我會把比賽視為了解自己究竟有多少實力、與其他人相比時自己處於什麼位置的場合，同時也是聆聽其他厲害演奏者演出的機會。不過在留學期間參加日本音樂大賽、第一次進入決賽時，我對比賽的看法發生了很大的改變。
決賽時，評審對我的評價出現非常大的分歧，而最後的結果是最後一名。當時決賽的指定曲是莫札特（單簧管協奏曲），而我就把自己在奈迪克老師那裡正在學習的東西，非常強烈地直接呈現出來了。一般對於這首曲子的看法是：「曲子本身已經很美了，所以只要自然、單純地演奏出來就好」，但我記得自己當時是以相當積極、強烈的表現方式來演奏莫札特的這首單簧管協奏曲；而且，那時還不像現在已經有不少人使用巴賽單簧管（Basset Clarinet）來演奏，也不太有人加入裝飾音，在這樣的演奏慣例下，我當時卻在幾個地方加入了裝飾音。
當時那就是我深信的正確演奏方式，很遺憾並沒有獲得評審們的認同．．．．。不過，我還是非常認真地接受了這件事情。我在美國跟著奈迪克老師學到了非常多美好的東西，但是我強烈感受到，當時的我只是將這些學到的東西呈現出來，卻無法被接受。我當然不想把從奈迪克老師那裡學到的東西丟掉，然而如果我演奏出來之後，聽眾並不認為那是好的，那就只不過是我的一種自我滿足而已，始終未脫業餘之域。
因此我就開始思考：如果我要在日本以專業演奏家的身分工作，就必須一方面演奏出自己所相信的東西，同時也必須讓聽眾，尤其是評審，認為這是好的東西。我就開始考慮究竟該怎麼做？才能達到這樣的目的。最後我想出的結論是：比賽就是一個「呈現出自己的演奏，然後得到回答；然後再呈現、再得到回答」的場所。
採訪：在這個思路轉換的過程中，您具體重新檢視了哪些東西？
Ｅ：就是是「活著的聲音」。按照奈迪克老師的教導，在音樂裡幾乎沒有任何一個聲音是靜止停留不動的。美國的門鈴是一種只有按著按鈕時才會發出「嗡～～～」聲的東西，所以老師上課時經常對我說：「不要像門鈴一樣吹」。所有的聲音都在朝某個方向前進－－－可能會回來，也可能向前去，是帶有很多不同方向性、而朝某個地方移動的。老師就這樣，一直強調這件事。
可是，當我開始思考這一點時，很容易出現一個問題。具體來說，就是會變成「後推」（將某一個音在演奏途中才特別放大）。就是演奏時越想著要去推動某個音，就越會產生不符合自己意圖的不自然送氣流動．．．．。因此，在做出樂音方向性的同時，需要特別注意不能弄成了「後推」。也因為樂音的方向性，我也非常努力去考量如何吹好聲音開始的部分，再來就是音色了。當演奏變得具有很多動向時，如果聲音稍微塞住停滯，那些動向立刻就會聽起來很吵。所以我也開始思考：究竟要使用什麼樣的音色，才能讓這些動向不會聽起來過於吵雜？
這些研究，是和我參加各種比賽，以及多次參加金澤室內管弦樂團的甄試完全同時進行的。不論是在我擔任金澤室內管弦樂團協演團員時的演奏，或是參加比賽時接受到的評論，都指出我有必要更加磨練好我的音色時，就會讓我有必須要馬上好好改進音色的想法。
這時候，我想到的是「唱歌的聲音」與「演奏樂器時的聲音」之間的共同點。從還在東京藝大求學時開始，我就覺得一個人唱歌時的聲音，和他吹奏樂器時的聲音之間，有非常大的共通性。唱歌的聲音比較纖細的人，吹起單簧管時的聲音也往往會稍微纖細一些；反過來，唱歌聲音非常溫暖的人，吹單簧管時也會使用非常溫暖、厚實的聲音。既然如此，我就想到是不是應該去好好學習發聲呢？於是，我開始認真向當時任教於東京藝大的聲樂老師學習呼吸與發聲：什麼是腹式呼吸？為什麼需要腹式呼吸？背部應該如何運用？而第一次上課時，老師就對我說：「光是思考利用背部，聲音的豐富程度就會完全不同」，然後從那堂課開始我就真得學到了很多東西。也正是因為這個學習，讓我的單簧管音色發生了變化，甚至在金澤室內管弦樂團工作現場，也馬上有人對我說：「你的音色變了呢」。
最終，我在自己所參加的最後一場音樂比賽－－－日本管打樂器大賽中獲得了第一名。其實直到那時為止，師母大島文子老師也一直都在見證我參加各種比賽的歷程。只要她人在日本，我也一直都會去接受她的指導。只有這場最後一次比賽，我想賭看看能不能不靠文子老師的指導助力，自己在日本走下去；所以完全沒有跟文子老師聯絡就自己去報名比賽。其實我知道老師正是評審，也知道她已經回到日本，但即使如此，我還是沒有聯絡老師。
比賽結束後，老師當然來問我：「為什麼都沒有跟我聯絡？」，我才回答她自己是抱著什麼樣的想法去參加這場比賽的。 這是我想用自己真正的實力去挑戰的比賽，最後拿到了第一名，我有一種「自己終於可以以專業演奏家的身分走下去了」的感覺，就好像拿到了從事這份工作的執照一樣。
採訪：在每天的演奏與練習中，您現在仍然非常重視的基礎是什麼呢？
Ｅ：當然就是音色吧。因為我一直都相信這件事情，並一路走到現在。所以我一直非常希望，自己真正發出的聲音，能夠是像自己唱歌時的感覺一樣。
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